The Beatles (The White Album) de The Beatles

La obra más iconoclasta de la banda más grande de toda la historia, el epitafio musical de cuatro de los más grandes músicos que haya dado la música contemporánea, todos los discos después de este son comparados para bien o para mal, muchos lo han intentado y pocos han conseguido una versión similar a esta grandiosa obra musical del siglo XX

Uttar Pradesh, Norte de la India, finales del Siglo IX de nuestra era … a la sombra de los picos nevados de los Himalayas yace imponente el nacimiento del Río Ganges en su origen con el Río Yumuna, uno de los raudales más grandes de la tierra, ambos afluentes corren en paralelo a través de miles de kilómetros en una región que geológicamente es tan nueva como enigmática, el Ganges hidrata una amplia planicie de un valle sagrado que fue escenario de epopeyas pasadas de acuerdo a los textos antiguos, es en este lugar donde se encuentra abstracto en sus oraciones el príncipe Vapala (hijo del rey Gopala I, fundador del próspero Imperio Pala, uno de los patronos de la antigua y mística Civilización Del Valle del Indo) así como su padre había hecho años antes en las guerras de sucesión, Vapala recurre a los textos de sus ancestros para orar en un templo situado a la orilla del río y entonar los mantras que le fueron heredados en sus pergaminos sagrados, se encomienda a sus dioses para enfrentar un periodo de guerra que habrá de significar la gloria para su pueblo y la preservación de sus tradiciones por más de ocho siglos, Vapala triunfa en una empresa militar que habrá de traer paz, prosperidad y un sinergismo único con ideas de otras religiones nacientes en su vasto reino, el monarca adopta las ideas del budismo y crea la Universidad del Vicramasila, un portento de ideas donde comulgaban el dogma del hinduismo con las Cuatro Nobles Verdades del budismo, es ahí donde se gesta el renacimiento cultural de la región y conviven de forma natural la sabiduría de dos de las religiones más importantes del mundo, se aprende el dogma hindú, con toda la herencia de los libros del Ramayana y el Mahabarata y se fusiona con las enseñanzas clásicas del budismo, se erigen templos dedicados a la oración y meditación y sus lecciones trascienden el tiempo al ser transmitidas a través de generaciones, a unos cuantos kilómetros de ahí, casi mil años después en el templo de Rishikesh nacerían las ideas sin parangón de uno de sus más grandes y prolíficos profetas, considerado un iluminado, el maestro Ramakrishna, enseña su doctrina hasta convertirse en uno de los personajes más revolucionarios de la religión hindu, el profeta que iluminó todo el valle del norte con sus enseñanzas y su ascetismo, el gurú es uno de los pocos personajes que adaptó ideas de otras religiones en una amalgama de creencias y conceptos revolucionando más de 3 milenios de enseñanzas, la cultura hindu tiene demasiadas facetas en su vertiente religiosa, es considerada la teogonía más antigua, distintas mentes prodigiosas de occidente en todas las épocas y en todas las culturas han buscado en sus enseñanzas, textos o mantras los episodios de iluminación o inspiración para encontrar sus propios caminos, para aprender sus habilidades y para encontrar paz interior, todo ese conocimiento está contenido en una serie de pasos provenientes de esos ritos cuyo origen se pierden en el principio del tiempo y la humanidad, la narración de historias que están a medio camino entre la verdad y la ficción donde se entrelazan lecciones de vida, prácticas de meditación y sobre todo del aprender a distinguir lo que se necesita de lo que se desea, Vapala unió esta forma de pensamiento, Ramakrishna la asimilo, perfecciono y transmitió a sus discípulos para la práctica de las Cuatro Nobles Verdades donde menciona: la vida es sufrimiento, la causa del sufrimiento es el deseo, el deseo proviene del apego y la búsqueda del desapego proviene de la práctica de los ocho caminos; visión correcta, pensamiento correcto (que conforman el Camino De La Sabiduría), habla correcta, actuación correcta y medio de vida correcta (que constituyen el Sendero De La Virtud) y por último esfuerzo correcto, atención y consciencia correctas y meditación (el Camino De La Mente), toda esta serie de pasos eran enseñados en los templos construidos por todo el afluente del Ganges, parte de la meditación consistía en aprender a distinguir las necesidades del individuo, a partir de ahí se alcanzaría la trascendencia buscando siempre un estado de traquilidad y agradecimiento, Ramakrishna supo hacer de esta idea de vida todo un concepto religioso nuevo y fundó en Rishikesh su escuela que iba a trascender de maneras muy misteriosas a lo largo del tiempo, tal como sucedió con Vapala, no vería el alcance de su obra hasta pasados muchos siglos después, el encanto de esa búsqueda de la trascendencia a través de las ideas hindobudistas tiene tanto arraigo en nuestra cultura occidental por esa búsqueda de las emociones, sensaciones y otras expresiones humanas, no solo en la lectura de sus testimonios, leyendas y epopeyas, esta forma de vida está presente de forma sólida incluso en las artes, pero sobre todo en la música, existe un hilo conductor entre toda esta filosofía y la música moderna, ese punto de conexión está en una fecha en particular, estamos ahora situados en el Royal Hall de Londres una noche del verano de 1965, en un momento donde dos culturas van a colisionar, por un lado se encuentran el mítico músico hindu Ravi Shankar eminente artista tradicional descendiente de los Brahamanas (nacido en Uttar Pradesh, de la casta hindu de las bellas artes) quien está subido en el escenario ambientado como un bosque bengalí con toda él aura mística propia de un iluminado, del otro lado entre el público está presente el guitarrista George Harrison quien había tomado un descanso después de grabar algunas escenas de la película Help!, quizás como una burla del destino, un chofer de un empresario hindu le entregó un libro de meditación con las enseñanzas de Ramakrishna apenas unos días antes, intrigado por la presentación de Ravi Shankar, Harrison acude emocionado a escucharlo, esa noche en el recital Shankar interpreta sus piezas con una maestría absoluta dejando a Harrison absorto en los sonidos provenientes del sitar, instrumento antiguo que en algunos escritos mencionan proviene de los dioses, el sitar se ejecuta en posición de flor de loto, el sonido que se extrae de sus cuerdas tiene un alma de resonancia que es difícil de olvidar cuando se escucha por primera vez, con sus 19 cuerdas sostenidas en un mástil de mas de metro medio de longitud requiere una gran fuerza para sostenerlo, precisión para interpretarlo y un alma abierta para apreciarlo, esa noche se estableció una unión de amistad cósmica entre Harrison y Ravi Shankar que traería no solo la incorporación de un instrumento de difícil interpretación al ya de por sí vasto catálogo de canciones de The Beatles, sino también la búsqueda de la iluminación en el seno de la banda más grande de toda la historia, ambos músicos eran un par de genios buscando sus propias virtudes y fueron capaces de incorporar algo tan dispar en un momento donde el grupo ya mostraba que el camino a seguir era lejos del pop soso y absurdo con letras de amores adolescentes, ya había grietas y fricciones entre los integrantes, Harrison lideraba esa parte del cuarteto que buscaba algo más allá de ideas de revolución y filosofía occidental (John Lennon) o canciones de pop pringosas y que serían éxitos seguros para seguir haciendo crecer sus cuentas bancarias (Paul McCartney), Harrison estaba más allá de toda esa parafernalia, el ya estaba buscando su propio camino, así llegó poco a poco la ruptura, en Rubber Soul, el disco que marcó el parteaguas de la banda llegaría la primera canción que mostraría la senda que Harrison ya estaba caminando, el tema Norwiegan Wood se volvió un prólogo de lo que vendría después, esas notas de sitar que acompañan las guitarras convencionales fueron una especie de apertura hacia la búsqueda de una verdad musical a la que nunca llegaron como unidad, pero en el camino encontraron cada uno diversas formas de comunicación, Harrison viajó a la India hacia el mítico templo de Rishikesh donde Shankar le enseñó no solo a tocar el sitar sino también otros instrumentos del folclor hindu y también le mostró el camino de las cuatro nobles verdades, Shankar estaba reacio a que sus enseñanzas fueran usadas para lograr éxitos comerciales por lo que Harrison, siendo siempre el alma espiritual del grupo ,buscó integrarlas en piezas que fueran más creativas, incorporó frases de filosofía vedica, brahamanica y budista en algunas canciones de sus siguientes discos e incluso partes del I Chi, el libro sagrado de la religión budista en un sincretismo musical que no se había visto antes, pero mantener ese puente intacto entre lo espiritual y lo material costó más allá de lo esperado, Harrison convenció a los otros Beatles a un viaje de reencuentro espiritual a Rishikesh (anticipando quizás, la dolorosa muerte de su representante y amigo Brian Epstein el quinto Beatle por antonomasia) y el resultado fue una explosión de creatividad pocas veces visto en el mundo de la música, de su estadía en ese lugar se crearon alrededor de 50 canciones que serían incluidas (la gran mayoría) en un experimento discográfico que no tenía precedentes, el Álbum Blanco como le conocemos todos es la síntesis de esa búsqueda espiritual (infructuosa para algunos, útil para otros) que destruiría a la banda para crear proyectos individuales que también serían exitosos, ese principio de renacer tan arraigado en la cultura hindu fue el catalizador creativo de uno de los discos más impresionantes que se hayan grabado en la historia de la música moderna, todas las bandas de la época y de las décadas venideras, serían comparadas en mayor o menor medida con la creación a sus propios álbumes blancos, otros artistas irían tras la búsqueda de su propia espiritualidad de maneras un tanto distintas pero al final de cuentas siguiendo el camino trazado por The Beatles, un camino de renacimiento y espiritualidad, Robert Zimmerman se convertiría del judaismo al cristianismo después de sobrevivir a un accidente de carretera y sería llamado a partir de entonces Bob Dylan, Cat Stevens tendría una experiencia cercana a la muerte nadando en el mar de California y al encomendarse a Mahoma sobreviviría y se convertiría al islam, Leonard Cohen tendría su episodio de auto búsqueda después de una vida de excesos para convertirse al budismo y en un monje zen, Johnny Cash haría su famoso retiro a una cueva de Tennessee a la sombra del cementerio de la tribu nickajack para alcanzar después de días de ayuno la iluminación, ejemplos de esas búsquedas sobran en la música, las artes, porque la espiritualidad humana tiene tantas facetas como lados tiene un dodecaedro, Bob Dylandespués de su accidente compone su álbum New Morning como una forma de agradecer su nueva oportunidad de vida (un disco conceptual que tiene a su dios personal como eje de toda la obra y previo a su trilogía cristiana) Cat Stevens se rebautiza como Yusuf Islam y predica como un Evangelista alejado de todo lo material de lo que alguna vez dependió (hasta que en su propia meditación y búsqueda, lee la obra del místico Ziryab y sabe que debe regresar a los escenarios para mostrar con su música el camino), Cohen abraza el realismo místico en sus últimos álbumes después de encontrar su verdad compone su canción más famosa Hallelujah (una pieza con un alcance espiritual enorme, llena de agradecimientos personales) y Johnny Cash rinde tributo a todos los artistas que lo inspiraron en su obra de cuatro álbumes de covers (regresando la música y a una vida personal apegada a una conducta no destructiva), todos ellos provenientes de una época donde los cambios sociales son brutales para una generación que le tocó vivir la destrucción de los paradigmas, de un episodio de la humanidad de dualidad entre guerras y un despertar por la conciencia colectiva, de un cambio social tan profundo del que aun resentimos sus estrictas normas, la Era de Acuario traería consigo una nueva forma de coexistir a la que se agregaron también otras emociones y experiencias a través de las expresiones artísticas, de la expansión de la percepción sensorial con las drogas de diseño y en la música en los años posteriores al álbum The Beatles esa comunión con las creencias hindúes y orientales traerían consigo piezas musicales para la posteridad, como el encuentro entre el gurú Meher Baba y el guitarrista de The Who, Pete Townsend para dar vida a su canción Baba O’Riley, o el místico Mahavater Babaji influenciando la canción Babaji de Supertramp, o la banda inglesa de los noventa Kula Shaker tomando el nombre de una divinidad de la prosperidad y cantando mantras tibetanos en sus canciones (como en Tattva o Govinda, por citar algunas), o los acordes de sitar en Paint It Black de The Rolling Stones, o la letra cargada de referencias del Ramayana de Heart Full Of Soul de The Byrds o en Om de The Moody Blues, solo por mencionar algunos ejemplos, por eso la música siempre resulta sanadora para el alma y el espíritu, ya sea como una nota, como un verso, como un coro o un himno, tiene ese potencial de evocación y nostalgia o esa energía que se proyecta en cada uno de nosotros, es como esa luz que se filtra a través de un enorme espejo celestial e ilumina como un prisma todos los aspectos de la vida humana, el sonido percibido como un color, como un fragmento etéreo del alma de un artista que nos regala cada vez que interpreta, cada vez que compone y cada vez que nos hipnotiza, esa búsqueda espiritual que es tan humana como ancestral, esa forma de darle el significado a todo lo que hacemos para que no se pierda en un mundo que olvida rápido, donde las ideas deben de quedar escritas, cantadas o registradas de alguna forma para no perderse en ese vasto océano de información, los sesentas sentaron el precedente de espiritualidad de la que no escaparíamos jamás, tal como Vapala o Ramakrishna hicieron cientos de años antes, ahí en Uttar Pradesh sucedió un cisma que tuvo resultados doce siglos después con el nacimiento de Ravi Shankar y sus enseñanzas, ese continuo ejercicio de renacimiento, como las vueltas eternas de las estrellas en el cielo, como las estaciones, como el agua que se renueva con cada ciclo, así como la vida misma, el Álbum The Beatles conjuga miles de años de una búsqueda que todavía persiste, nos mostró un camino a seguir, es un disco portento en muchos aspectos, una obra universal, cosmopolita y vasta, hay cantos al amor, a la vida, a la espiritualidad, a la banalidad de las cosas, hay desprecio, rabia y odio, hay ternura, hay versos que desgarran el alma y que exponen sufrimiento por pérdidas y apego, tiene tantos elementos que lo hacen una obra aparte, sin un hilo conductor, un collage de ideas que se formó solo mostrando creatividad desbordada en cada una de las canciones, un disco que marca el inicio del final de la banda más famosa de toda la historia, después de The White Album cada Beatle tomaría su camino, John Lennon iría por el lado de la Revolución, la transgresión, lo políticamente incorrecto en sus inicios solistas y después en un viraje de 180 grados abandonaría la vida pública y la música casi por una década hasta volver a sus raíces poco antes de su trágica muerte, Paul McCartney sería quizás el Beatle más prolífico en un camino de grandes éxitos comerciales diametralmente opuestos a la espiritualidad, Ringo Starr sería el Beatle discreto que disfrutaría de sus proyectos personales con sus amigos en una vida lejana al mainstream y por último George Harrison iría en su búsqueda de un camino lleno de magia y misticismo en una carrera siempre allegada a Ravi Shankar y al hinduismo que tendría como punto culminante su extraordinaria obra maestra titulada All The Things Must Pass y en su canción My Sweet Lord condensaría en unos minutos toda esa sabiduría que captó en las enseñanzas de sus maestros, tanto musicales como religiosos, un camino que encontraría poco éxito artístico, tal vez siempre merecía más, pero tuvo un enorme legado espiritual del Beatle que quiso encontrarse en las enseñanzas de los místicos hindúes, en otro viaje mágico y misterioso, eso es lo que queda al final de la vida en el plano terrenal, el como seremos recordados, lo único que impregnará la mente de quien nos renombre, lo ideal es que todos encontráramos nuestro propósito de vida o nuestra misión, pero al final siempre estamos a tiempo de cambiar el camino, como escribiría alguna vez Harrison en su canción Any Road … Y si no sabes a donde vas, cualquier camino te llevará ahí, puede que no sepas de donde vienes, puede que no sepas quien eres, puede que ni siquiera te hayas preguntado como llegaste tan lejos, no hubo principio, no hubo final, no nacemos ni morimos, no hay bordes y no hay tamaño, si no sabes a donde vas, cualquier camino te llevará ahí.

Sgt. Pepper se convirtió en el álbum de la década o quizá del siglo. Era innovador, contenía unas canciones geniales, era un placer escucharlo y me alegro de haber participado en él, pero creo que el Álbum blanco es mejor.

Ringo Starr acerca de The Beatles

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento – Noviembre de 1968

Discográfica – Apple Records

Productor – George Martin

Recomendable Si Les Gusta

The Family Way Motion Picture Soundtrack de George Martin, The Kaleidoscope de Cole Porter, Aubade de Bernard Herrmann, Band On The Run de Paul McCartney, No Dice de Badfinger, Mental Notes de Split Enz, The Inner Mountain Flame de Mahavishnu Orchestra, Pet Sounds de Beach Boys, Gruppen de Karlheinz Stockhausen, Electric Sound de George Harrison y Life With The Lions de John Lennon And The Plastic Ono Band

Título del Disco

Coloquialmente siempre fue conocido como The White Album (o simplemente el Album Blanco) sin embargo el nombre oficial que se encuentra en los catálogos de Apple Records es simplemente The Beatles.

Portada del Disco

Richard Hamilton, un reconocido artista del mundo del arte pop británico de los 70’s diseñó una portada diametralmente opuesta a la opulencia del album Sgt Pepper’s, junto con Paul McCartney, idearon una carátula totalmente blanca con las letras The Beatles en relieve, la primera edición constó de 5 millones de copias numeradas en serie cuyo valor oscila entre los 700 a los 790 mil libras esterlinas de acuerdo a su cercanía con el número 1.

Tracklist

1. Back In The USSR (Recomendación 4 Estrellas)

2. Dear Prudence (Recomendación 4 Estrellas)

3. Glass Onion (Recomendación 4 Estrellas)

4. Ob-La-Di, Ob-La-Da (Recomendación 4 Estrellas)

5. Wild Honey Pie

6. The Continuing Story Of Bungalow Bill

7. While My Guitar Gently Weeps (Recomendación 4 Estrellas)

8. Happiness Is A Warm Gun (Recomendación 4 Estrellas)

9. Martha My Dear (Recomendación 4 Estrellas)

10. I’m So Tired (Recomendación 4 Estrellas)

11. Blackbird (Recomendación 4 Estrellas)

12. Piggies

13. Rocky Raccoon

14. Don’t Pass Me By (Recomendación 4 Estrellas)

15. Why Don’t We Do It In The Road?

16. I Will (Recomendación 4 Estrellas)

17. Julia (Recomendación 4 Estrellas)

18. Birthday (Recomendación 4 Estrellas)

19. Yer Blues (Recomendación 4 Estrellas)

20. Mother Nature’s Son

21. Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey

22. Sexy Sadie (Recomendación 4 Estrellas)

23. Helter Skelter (Recomendación 4 Estrellas)

24. Long, Long, Long

25. Revolution 1 (Recomendación 4 Estrellas)

26. Honey Pie

27. Savoy Truffle (Recomendación 4 Estrellas)

28. Cry Baby Cry

29. Revolution 9

30. Good Night

Track By Track – Momentos Cumbre

- Un rock muy en onda Beach Boys compuesta por el extremadamente competitivo Paul McCartney abre un disco de 30 canciones, el intro a toda velocidad con un ritmo clásico de rock and roll y el sonido memorable de un jet, sirve para que los primeros acordes sobre una escala de Mi Mayor (escala que es vertiginosa y en extremo festiva) den luz verde a esta obra maestra y hay mucho que mencionar de esta pieza, como particularidades sonoras y de anécdotas, para empezar es una canción que fue grabada con McCartney en la batería (la ausencia de Ringo Starr es por todos conocida al abandonar al grupo en las primeras dos semanas de grabaciones), la letra es un juego de palabras muy ingenioso que combina un guiño de Georgia In My Mind de Ray Charles y con un aire de pro comunismo que les dejó críticas por todos lados, Back In The USSR es una de esas piezas que dan una apertura fresca e innovadora, con coros pringosos al estilo del rock americano de los 70’s (Brian Wilson fue durante un tiempo rival directo musicalmente hablando de The Beatles), hay quien sitúa esta canción como un híbrido del rock merseybeat clásico con esos aderezos de rock americano, enorme intro, el solo de George Harrisonejecutado en su Gibson Les Paul le da un refuerzo contundente in extremo, McCartney interpreta unos arreglos de piano muy adecuados en su Steinway e interpreta las voces de forma rasposa pero elegante.

- De su época de retiro espiritual en Rishikesh nació esta joya armónica y folk llamada Dear Prudence, cuenta la leyenda que la hermana de Mia Farrow, Prudence Farrow estaba en el retiro espiritual en la India y fue tal su abstracción en el mundo de la meditación, que no salía de su habitación durante días enteros, por lo que esta maravilla lenonniana esta dedicada en sus versos a Prudence, Dear Prudenceesta construida en una armonía de Re Mayor y las guitarras afinadas en Drop D (con la cuerda de Mi afinada en Re y el resto de cuerdas con afinación estándar) una forma de armonización peculiar pero muy útil en el mundo del folk, John Lennon canta versos bastante evocadores … The sun is up, the sky is blue, It's beautiful and so are you, Dear Prudence won't you come out to play … ese aire folk está también representado con la participación del cantante Jackie Lomax en los coros, elegante, con versos adaptables a situaciones humanas tan cotodianas como la concentración y la abstracción, un ritmo in crescendo, un final de apoteosis con McCartney ejecutando la batería y George Harrison con arreglos finos con su guitarra Rickenbacker hacen de esta pieza un momento prístino en un disco que apenas empieza.

- Glass Onion es otra maravilla beatlesca compuesta por John Lennon que contiene refererencias a varias de sus canciones de discos previos … I told you about strawberry fields You know the place where nothing is real (Strawberry Fields Forever del Sargent Pepper Lonely Hearts Club Band) … The walrus was Paul (de I’m The Walrus del album Magical And Mistery Tour) … Lady Madonna trying to make ends meet (de Lady Madonna editado como sencillo y después apareció en el disco Yellow Submarine) … Told you about the fool on the hill, I tell you man he's living there still (de The Fool On the Hill del disco Magical And Mistery Tour) … Fixing a hole in the ocean, Trying to make a dove-tail joint (de Fixing A Hole del Sargent Pepper’s) … una auténtica enciclopedia de referencias Beatlescas en una cancion que es una sátira a los críticos de The Beatles, armonizada en La Menor, con un inicio de tarola vertiginoso con la batería de Ringo Starr que para ese entonces ya había regresado al estudio de grabación, la voz de Lennon entonando sátira mordaz y aguda, el bajo Fender elegante y virtuoso de McCartney y las notas en contrapunto de la Rocky Stratocaster de Harrison enarbolan otro tema genial, tres canciones y ya tres clásicos, algo que solo los Fab Four podían hacer.

- La jerga jamaiquina del nigeriano Jimmy Scott sirvió de base en una canción que originalmente era un reggae, si existe una canción que causó un conflicto de proporciones bíblicas en The Beatles fue sin duda Ob-La-Di Ob-La-Da, McCartney ejerció un poder omnipresente en todo el porceso de producción y grabación y fue motivo de disputas entre todos los integrantes, fue tal el desgaste que grabarla requirió más de 50 tomas, cambios de estilo, rotación de instrumentos, todo para lograr un tema que definitivamente es punto y aparte en el catálogo beatlesco, John Lennon fue el que inventó el intro de piano con esa sucesión de acordes en octavos después de abandonar la grabación por odiar el estilo de la versión original, un día totalmente intoxicado por la marihuana llegó al piano Chellin Upright de Paul y ejecutó la opertura con más fuerza y con el ritmo definitivo que debería de tener, a partir de ahí una armonía en La Mayor con un ritmo que oscila entre un reaggae y una balada pop, una letra de una historia de amor entre Desmond y Molly Jones, un ritmo de bajo muy festivo y la batería de Starr en 4/4, la armonía contiene esos clasicos acordes de séptima al final de los coros que le dan un aire hasta jazzero, dejando todo listo para la ejecución de un mini solo de saxofón obra de Ronnie Scott, Ob-La-Di Ob-La-Da fue el campo de batalla entre McCartney con el resto del cuarteto, al final de cuentas el significado de ese juego de palabras en lengua yoruba significa la vida sigue y para The Beatles este tropezón no hizo más que hacerlos explotar su vertiente creativa al máximo.

- Wild Honey Pie es un experimento de McCartney bastante peculiar, The Beatles ocupaba la mayoría de los estudios de Abbey Road al mismo tiempo y el trabajo de los ingenieros de sonido fue titánico, para este tema corto, un experimento de guitarra (en una Martin D 28) armonizado en un acorde de Sol7 con una sucesión de VII-Vi-V (rarísima sucesión de acordes) elaboran una trama armónica sobre la que descansa una letra que no dice absolutamente nada, es un tema prescindible pero considerando el gusto de Patty Boyd por la canción terminó colándose en la mezcla final, es una pieza extravagante pero no por ello menos interesante, al entender la armonía nos damos cuenta que ese aire tribal de Rishikesh perduró en McCartney para inspirarse en este tema.

- Yoko Ono ya era una presencia incómoda en la banda y en un tema en particular aportó algo más que su voz chillona en los coros, The Continuing Story Of Bungalow Bill es un tema que parte de un juego de palabras de Bungalow y Buffalo Bill, una letra muy mordaz que habla sobre el disgusto de Buffalo Bill sobre su extraño trabajo, armónicamente parte de una escala de Do Mayor muy clásica que integra la mayoría de los acordes para los versos y en los coros aplica la fórmula clásica de usar el relativo menor (en este caso un La menor) lo cual le da ese aire de continuidad, otro tema de transición obra de John Lennon.

- Un clásico y el mejor tema hasta ese momento llega con una canción épica por donde quiera que se le vea, George Harrison ya era un compositor que se podía ubicar en otro nivel por su estilo e inventiva, dejando atrás el eterno yugo de la dupla Lennon/McCartney que era por decirlo (de alguna forma eufemística) omnipresente, mientras Lennon hacía canciones existencialistas y McCartney tenía una vertiente pop muy marcada, Harrison tenía un estilo que mezclaba ambas y aparte le agregaba un virtuosismo en sus armonías y melodías que francamente Lennon y McCartney no alcanzaban (por mas que se esforzaran), todos los hits que hizo Harrison son temas impecables, bien construidos, con letras bien elaboradas, todo en aras de destacar en un estilo único que permeó a lo eterno décadas después, en While My Guitar Gently Weeps hay espacio para las letras trascendentales de la filosofía oriental (sobre todo el libro del I Ching) … I look at the world, And I notice it's turning, While my guitar gently weeps ... para este tema Harrison invitó a su hasta entonces gran amigo Eric Clapton para la sección de guitarra líder, Clapton en un intento de obtener un sonido Beatle recurrió a la vieja técnica de grabación multipista (muy usado en los 60’s), Paul McCartney utilizó un bajo Fender Jazz que le agregó un sonido mucho más rockero a la canción, una armonía en La Menor a la que se le fue agregando todo tipo de acordes sobre esa escala, incluyendo acordes raros en los versos que le dan ese toque tan exótico, el solo de Clapton es uno de esos instantes de la música contemporánea donde podemos escuchar el poder que tiene una guitarra Gibson Les Paul, un solo para la posteridad, iniciando sobre la quita posición y desenvolviendo notas sobre una escala pentatónica mayor pasando por un modo jónico y esos enormes bends que literalmente hacen que la guitarra suene como un lamento, no hay espacio para el debate sobre que tema es la apoteosis del talento de Harrison, hay quienes se inclinan por algunos otros, pero la intensidad que transmite esta canción no se iguala con ninguna otra, es de los temas imprescidibles de todo el catálogo Beatle.

- Maestría y virtuosismo, The Beatles en su quintaesencia en un tema que es una verdadera joya Lennoniana, Happines Is A Warm Gun es una canción que jamás estará en los reflectores porque exige un conocimiento musical previo del escucha, no es nada fácil entenderla, funciona musicalmente como una especie de collage rock que está integrado por secciones disímbolas entre si, hay de todo, hay al menos 5 cambios de compás en toda la estructura, una armonía que incorpora inclusive un cambio de escala muy notorio entre las secciones, una modulación, una letra que podría considerarse un ejercicio lírico a partir de una frase que Lennon encontró en una revista, voces excelsamente grabadas con multiefectos, es una obra maestra de apenas 3 minutos de duración, el intro acústico con una letra contundente … She's not a girl who misses much … la entrada triunfal del bajo de McCartney con notas en octavos para la segunda parte del verso … She's well-acquainted with the touch of the velvet hand, Like a lizard on a window pane … con los acordes cortados de la ponderosa Rickenbacker de George Harrison para dar entrada a un mini solo obra del mismo Harrison, los interminables bends de la Rickenbacker acompañan después una sección de batería que cambia el compás desde un 4/4 hacia un mucho más introspectivo 9/8 y después un cambio extremadamente complejo a un 12/8 y 10/8, es el nivel tal de exigencia sonora en un tema que definitivamente es belleza beatlesca pura, no es un clásico porque necesita de un público que tenga impregnación previa en armonía pero se disfruta siempre, una belleza onírica que culmina con una frase cantada por Lennon a todo pulmón y que se plasma para la posteridad … la felicidad es un arma caliente.

- Amonizada en Mi Bemol, la que podría considerarse una típica balada McCartneística Martha My Dear contiene una progresión tanto rítmica como armónica notablemente bien construida, parte de un compás de ¾ hacia un 2/4 y se estaciona en un 4/4 con una facilidad pasmosa bajo una progresión de acordes que se desenvuelve con naturalidad en el piano de Paul McCartney, tiene una paleta de colores tan inmensa que destaca entre muchas de las composiciones de McCartney por su complejidad, parecería un tema muy soso dada la letra dedicada a la mascota de McCartney y sin embargo tiene un profundo sentido del amor fraternal … Hold your head up, you silly girl, Look what you've done, When you find yourself in the thick of it, Help yourself to a bit of what is all around you, Silly girl … emparentada armónicamente con Two Of Us, contiene varias disonancias de jazz que además se aderezan con la sección de vientos obra de George Martin, es un tema que McCartney ejecuta en su totalidad, parte de su metodología de trabajo en sus años como solista.

- Una armonía en La Mayor que continúa bajo el esquema de arreglos onerosos como tema anterior, una pieza de alcances sonoros inextinguibles, John Lennon canta un verso con rima sencilla sobre un ejercicio cromático … I'm so tired, I haven't slept a wink, I'm so tired, My mind is on the blink, I wonder, should I get up and fix myself a drink? … comenzando sobre el acorde de La Mayor, toma un camino hacia el séptimo grado, su acorde natural sería un Sol Sostenido pero le agrega un acorde mucho más interesante al utilizar un Sol Sostenido Disminuido (le da ese toque de introspección al verso), el siguiente acorde natural es un Re Mayor en un cuarto, el paso natural sería con un Mi Mayor pero ese matiz extra que aporta el acorde de Mi Mayor 7 es mucho más profundo, para el círculo complementario se añade un acorde de Fa Sostenido (sexto grado) completando un círculo que se repite una vez más en los versos para llegar a la sección de los coros donde la fórmula tiene una variación interesante, al final del coro aparece una modulación con un acorde de Re Menor que abre paso a un minimalista círculo de La para con solo 3 acordes más dar ese aura completemante melancólico, I’m So Tired es un tema que fue grabado con toda la banda completa en sus instrumentos habituales, Lennon con su Epiphone Casino, McCartney con su bajo Hohner y Harrison interpretó el solo de guitarra con la ya clásica Stratocaster Rocky, enorme tema, otro clásico tema Lennoniano que culmina con una de esas frases para la posteridad … You know I'd give you everything I've got for a little peace of mind

- Cuenta la leyenda que durante un viaje a Estados Unidos en 1968, Paul McCartney vivió de cerca la tensión racial que existía en ese país, un hecho que a todas luces era extraño para un británico de mediados de los 60’s (la Gran Bretaña en un país donde no solo no existe racismo sino que también está considerado un crimen) cuenta esa misma leyenda que MacCartney escribió Blackbird teniendo en cuenta esas circunstancias, es por eso que los versos adquieren una dimensión distinta … Blackbird singing in the dead of night, Take these sunken eyes and learn to see, All your life, You were only waiting for this moment to be free … la guitarra está inspirada en una pieza de Johann Sebastian Bach en una suite llamada Bourre en Mi Menor, que está incluida en su concierto en Mi menor, armónicamente es una joya compleja e interesante, inicia en clave de sol con un acorde mayor sobre esa misma nota y da un pequeño salto a su segundo grado con el acorde muy de jazz de La Menor en séptima, para regresar a su nota raíz pero esta vez con un bajo en Si Mayor, esta transición es un truco que permite avanzar casi una octava completa para el final de los versos en un extraño acorde de Sol que se ejecuta en la quinta posición, esto le da un aire de afirmación y se repite en la siguiente parte del verso que inicia en un acorde de Do Mayor en un ciclo de primer, segundo y tercer grado que decanta hasta la nota raíz en cada uno de las 4 frases que componen los versos, para el coro repiten esa fórmula de forma muy ingeniosa, van en una escala descendente partiendo de un Fa hasta (de nuevo) un Sol, McCartney tenía la enorme virtud de poder construir ese tipo de bases de armonía compleja en guitarra (no olvidemos Yesterday y todos los resquicios de armonía interesantes que contiene), un tema donde la metáfora sobre un mundo dividido, que solo tiene la guitarra Martin acústica y su pie empleado como percusión (en el canal izquierdo de la grabación original se puede apreciar lo exacto de su ritmo), contiene frases para el recuerdo … All your life, You were only waiting for this moment to arise.

- El músico Chris Thomas fue el invitado para tocar el clavecín en una oda barroca inspirada en los versos de Rebelión en la Granja de George Orwell, pocas son las canciones que contienen este antiguo instrumento en el rock y muy pocos también son las que comulgan con una perspectiva social, de una crítica tan mordaz y tan notoria como esta … Have you seen the little piggies Crawling in the dirt?, And for all the little piggies, Life is getting worse, Always having dirt to play around in … un tema de George Harrison que causó controversia desde que se lanzó, musicalmente es un tema que transita con un aire clásico y que encierra también algunas disonancias que lo hacen tan peculiar, el empleo de una percusión mínima (solo con la pandereta de Ringo y el bajo Fender de Paul McCartney) y un arreglo de cuerdas obra de George Martin, un tema de transición en un largo disco, una muestra del talento desbordado que ya tenía George Harrison en ese momento artístico, tan distante de las disputas egocéntricas de Lenon y McCartney.

- El poeta folk inglés Donovan contribuyó enormemente a la creación de una balada country durante la época del retiro espiritual en la India, esta pieza es un tema híbrido entre una balada country y un tema muy al estilo folk americano (un tanto adelantada a su tiempo), Rocky Racoon es una pieza que es parodia también de un disco de Bob Dylan (el un poco olvidado John Wesley Harding), originalmente el título sería Rocky Seasoon pero McCartney cambió el sentido de la letra para que tuviera ese estilo más western … Rocky Raccoon checked into his room, Only to find Gideon's bible, But Rocky had come equipped with a gun, To shoot off the legs of his rival … una armonía en La menor y con la mayoría de los acordes ubicados en esa escala, tiene la peculiaridad de que tiene algunos acordes de séptima para darle ese aire tan western, eso sumado al piano Honky Tonk interpretado por George Martin dan como resultado un tema jocoso y lleno de vida, una de esas canciones que no son tan apreciadas inicialmente en un catálogo Beatle lleno de momentos cumbres.

- Una de las canciones más peculiares de todo el catálogo Beatle es sin duda Don’t Pass Me By, hay que reconocer que Ringo Starr además de ser uno de los mejores bateristas de la historia era algo así como un Gato de Angora de la banda, mientras Lennon se creía que era la Morsa y más grande que Jesucristo, Ringo aprendió a jugar ajedrez, mientras Paul McCartney ejercía con puño de hierro una forma de trabajo complicada y totalitaria, Ringo se dedicó a actuar en pelúculas de serie B, mientras George Harrison estaba en la búsqueda de la trascendencia espiritual, Starr se la pasaba bien con sus otros amigos músicos haciedo colaboraciones y toda esa forma aligerada de ver la vida y la existencia lo reflejaba en canciones tan incríbles como esta, Don’t Pass Me By no busca ser un hit, tampoco quiere develar los grandes misterios de la condición humana, esta pieza lo que busca es hacer pasar un rato ameno y agradable a quien la escucha, la letra es poco menos que sencilla y directa … I hear the clock a-ticking on the mantel shelf See the hands a-moving, but I'm by myself I wonder where you are tonight and why I'm by myself, I don't see you, does it mean you don't love me anymore? … la canción tiene tantos elementos notables, una armonía sencilla en escala de Do Mayor en los versos (sin complicarse demasiado en una estructura I-IV-V-IV-I), dos pianos plácida y elegantemente tocados por Ringo Star y Paul McCartney y una sección de violines que le dan ese aire tan country y desenfadado (que fueron obra de Jack Fallon), el segundo tema oficial de Ringo Starr (después de la canción What Goes On del Rubber Soul) tiene toda la huella de su estilo, forma y sobre todo un blue print de lo que es vivir la vida liviana y felizmente, otra joya escondida en esta obra de arte.

- El distanciamiento que ya existía en la banda se ve reflejado en temas tan egocéntricos como Why Don’t We Do It On The Road?, una de tantas varias canciones donde Paul McCartney decidió grabar todos los instrumentos excepto la batería, una especie de rock blues de bajo alcance armonizado en Re Mayor (como los buenos blues) y donde McCartney hace eco de una vivencia de carretera (de dos monos exactamente) y que imaginó en el retiro espiritual de Rishikesh, una pieza que solo tuvo de acompañante a Ringo Starr y que si bien no es un éxito malogrado si retrata inequívocamente la situación grupal casi inexistente, esa fórmula McCartney la hizo casi una marca de su particular forma de grabar álbumes y lo repitió en su primer trabajo como solista, un tema de transición metido casi con calzador entre las siguientes dos piezas del álbum.

- Otro tema de McCartney que tiene como peculiaridad el hecho que fue escrito para Linda Eastman (su nueva musa después de Jane Asher, quien inspiró tantas canciones en el pasado para McCartney) donde una vez más Paul compuso, dio música y letra y terminó acreditando completamente la autoría, aunque se hizo acompañar de John y Ringo (pero prescindiendo de George Harrison) durante la grabación, por lo que este tema es otro más de este álbum donde no estaban completos los Fab Four, armonizada en Fa Mayor, es una canción que podríamos situar a medio camino de un tema folk convencional y una balada pop con un gran acompañamiento, contiene una letra romántica algo simple y en cierta forma auto complaciente, McCartney retrata este sentimiento de nostalgia y emoción a la vez … And when at last I find you, Your song will fill the air, Sing it loud so I can hear you, Make it easy to be near you, For the things you do endear you to me, You know I will, I will … Jane Asher fué en cierta forma la responsible de varios de los grandes temas de Paul pero Linda Eastman vería no solo a un McCartney más maduro y musicalmente más completo sino también con un talento desbordado y que demostraría algunos años después al formar también una sociedad artística y musical con ella.

- Los ojos de caracol, la arena durmiente, una sonrisa del viento o una nube silenciosa, nunca sabremos cual será la frase que nos definirá para la posteridad, o cual será la línea poética que enmarcará nuestros últimos momentos, o de que manera las personas nos van a recordar, ese tipo de secretos los reserva el tiempo con su implacable paso para los que sobreviven una vez que nos marchamos, para Julia Stanley sus palabras de despedida fueron únicamente ‘trendrás la oportunidad de acompañarme al autobús’, bajo el sol de verano londinense la muerte encontró a la madre de John Lennon en una tarde de julio de 1958, un accidente automovilístico lo despojó de su más grande musa, esa niña oceánica que describe bajo las catárticas frases de una de sus mejores canciones, Lennon hizo una especie de trilogía de temas hacia su madre Julia Lennon, una de ellas es este poema ambientado con música, si Paul McCartney le componía al amor de apego, a ese sentimiento entre dos personas, Lennon retrató el amor fraterno encumbrado en esa nostalgia materna, visto desde este punto de vista, este tema de Lennon es mucho más profundo, más fuerte y más verdadero, una lírica llena de metáforas y referencias desde un alma atormentada por la soledad, desde quien sufre el despojo de su escala de valores más alta, una canción inspirada en algunos versos por el libro Arena y Espuma del poeta Kahlil Gibrán publicado en 1926 … Half of what I say is meaningless, But I say it just to reach you, Julia, Oceanchild calls me, So I sing the song of love, Julia … musicalmente es un verdadera joya, grabada con apenas una guitarra acústica Gibson J y armonizada en Re Mayor (empleando un acorde de Do mayor en una progresion muy adecuada con las variantes de un La Mayor con 7ma, 6ta y 7ma menor repitiendo este truco armónico en una transición hermosa hacia el segundo grado y utilizando el mismo recurso en un Mi Menor, para regresar elegantemente al acorde de Do Mayor, este ciclo se puede repetir las veces necesarias como si se tratara de un mantra tibetano) … una pieza que tiene todo ese bagaje de sentimiento puro que transmite no solo el dolor de una pérdida, sino que retrata a la perfección una transición de un estado de choque emocional hacia la resignación, una pausa animíca que parece no encontrar respuestas, una súplica de redención para quien el hueco en el alma le es más grande que la sensación de vacío espiritual, pero es sobre todo y más allá de todo lo que se pueda explicar, es un hermoso canto de amor puro, de amor maternal … When I cannot sing my heart, I can only speak my mind, Julia

- El segundo album de esta obra inicia con un tema que fue un intento de imitar un éxito de los 50’s de los Tune Waivers y que tiene también la etiqueta de ser el último tema compiuesto por la dupla Lennon/McCartney, un tema escrito y grabado en un mismo día, toda esta pieza está construida alrededor del riff inicial y armonizada en La Mayor que ha sido usada hasta el infinito por los rockeros de nostalgia para amenizar los onomásticos de los fanáticos de los Fab Four, es un tema festivo donde todos los integrantes aportan su grano de arena para elaborar algo para la posteridad, desde el riff obra de John Lennon, pasando por las líneas de bajo de McCartney y la guitarra de acompañamiento de George Harrison y una batería lustrosa y efectiva de Ringo Starr, incluye además los coros de Pattie Boyd y Yoko Ono, la diversión que en las grabaciones de este disco estuvo más que ausente renace en un tema que tiene esa chispa de creatividad espontánea llena de luminosidad y alegría, Birthday es un gran tema que da comienzo a la etapa más densa del disco, tal cual canta McCartney … They say it's your birthday, We're gonna have a good time

- Una parodia el blues británico con letra depresiva es el tema que continua, Yer Blues es una extraña mezcla entre un Hard Rock y un (casi esquivo) blues antiguo, armonizada en Mi Menor, fue grabada en dos tomas con el clásico estilo en directo que tuvo que ser condensado de manera prodigiosa por los ingenieros de los estudios EMI en Londres, las letras son de la autoría de Lennon y son un mensaje directo a la soledad que tuvo durante su viaje en Rishikesh, la letra es explicíta bajo ese contexto … Black cloud crossed my mind, Blue mist round my soul, Feel so suicidal, Even hate my rock and roll … una de esas piezas que podríamos considerer un tema que ha madurado con el tiempo y que fue covereada por el super grupo The Dirty Mac algunos años después.

- Muchas de las cosas que sucedieron en Rishikesh durante el retiro espiritual de The Beatles en tierras hindúes fueron trasladadas a canciones en una de las etapas más prolíficas del desarrollo musical del cuarteto, una de esas piezas es Mother Nature’s Son, un collage sonoro muy agradable donde una vez más Paul McCartney muestra su virtuosismo en la faceta de creador musical, una letra inspirada en las conferencias del Maharishi Majesh Yogi … Sit beside a mountain stream, see her waters rise, Listen to the pretty sound of music as she flies, Find me in my field of grass, Mother Nature's son, Swaying daises sing a lazy song beneath the sun … grabada en 25 tomas, este folk acústico de largo alcance fue elaborado con un par de guitarras acústicas y con un set de metales (obra de George Martin) y una técnica novedosa en la grabación de las percusiones (uno de los tambores fue aislado en medio de un pasillo alfombrado para darle un sonido más prístino y delicado), McCartney más allá de sus múltiples menciones como un tirano musical, sabía sacar provecho de las tecnologías y técnicas de grabación que se tenían a finales de los 60’s, pionero y vanguardista, temas como este no dejan lugar a dudas de su inagotable talento.

- El amor que se tenían al principio de su relación Yoko Ono y John Lennon no fue del todo bien entendida y para la mayoría de los fanáticos de The Beatles la omnipresencia de la japonesa en la vida de Lennon fue la causa principal de la ruptura del cuarteto, sin embargo eso no es del todo cierto, esa idea fue plasmada magistralmente en la canción con el título más largo de todo el catálogo Beatlesco, una frase jocosa y divertida que fue elaborada a partir (también) de su estancia en la India, Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey es una buena broma de Lennon a sus críticos y musicalmente es una maravilla, grabada con técnicas poco antes vistas y bajo un formato diferente, este tema tiene muchas cualidades que lo hacen único, la grabación fue hecha más lenta en algunos lapsos y por consiguiente al acelerarlo hubo desfases (muy notorios en los versos), McCartney convirtió una campana de bomberos en un instrumento que estaba acoplado a una percusión, la letra es un arreglo de palabras bastante inventivo … Take it easy, take it easy, Everybody's got something to hide except for me and My monkey, Your inside is out when your outside is in, Your outside is in when your inside is out … armonizado en Mi Mayor, tiene cambios de compás muy vistosos en el Puente (de 4/4/ a ¾) este tema es una joya escondida entre tantos temas geniales del album.

- John Lennon tuvo diferencias notables con el Maharishi Maheshi Yogi durante el retiro espiritual de Rishikesh en la India, para Lennon el líder espiritual hindú había sido toda una decepción y bajo ese encono que tuvo hacia el gurú escribió una canción que ha sido una de las diátribas musicales más sentidas de todos los tiempos, Sexy Sadie es un track que está considerado una burla directa y explícita por sus letras … One sunny day the world was waiting for a lover, She came along to turn on everyone, Sexy Sadie the greatest of them all … musicalmente es un tema que podríamos considerer un track de escala común (está en Do Mayor y utiliza casi todos los acordes de la escala, lo que la hace muy vistosa), una estructura que tiene en un compás de 4/4 un asiento rítmico muy adecuado, este tema ha sido covereado múltiples veces debido a su historia y del motivo de realización, un tema de transición que tal vez ha recibido más fama por todo lo que hay detrás que por la canción por si misma, aunque pone de ma nifiesto el hecho de que a veces una crítica mordaz puede ser lanzada con elegancia y finamente desde el lado musical.

- El siempre competitivo Paul McCartney estaba acostumbrado a los retos, después de escuchar a The Who con su canción I Can See For Miles se dio a la tarea de crear algo radicalmente novedoso, sucio y estridente, tomó el nombre de un tobogán tradicional inglés llamado Helter Skelter (una caída libre hacia el desorden) y creó un tema que es el artífice, por lo menos en la Gran Bretaña (no hay que olvidar que los Saicos en Chile ya habían sido los padres del punk sin saberlo) de todo un movimiento cultural que tendría como epicentro la ciudad de Londres algunos años atrás, Helter Skelter es la canción más estridente de The Beatles, lo que sea que ese haya propuesto McCartney en su esfuerzo por destacar una vez más en su competencia con los compositores de su época siempre rindió los frutos necesarios para pasar a convertirse en leyenda, ¿que hace de Helter Skelter algo tan peculiarmente agresivo? son varias razones, pero salta a la vista es la absoluta simpleza con la que está hecha, ese sonido agresivo lo debe todo a las bondades de los amplificadores de distorsión y la receta para su contrucción la vamos a desglosar, primero, tomamos un ritmo de 4/4 tradicional del rock apenas a 52 beats por minuto (un ritmo con el que Starr siempre estaba cómodo y con el que era un reloj suizo de perfección cronométrica) a ese beat le añadimos unas notas en contapunto en octavos, tres acordes, un Mi menor en séptima, su tercera en bemol que en este caso es un Sol mayor y despúes su cuarta natural en La y ya queda ese quiebre de blues que le da una enorme tensión, ese toque tensional es el que convierte en incertidumbre toda la transición la guitarra de Harrison que además utiliza un slide para que las notas se escuchen aún más desgarbadas, este truco armónico es utilizado por The Beatles en varias de sus canciones (por citar dos, Happiness Is A War Gun, ya analizada arriba y Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band), John Lennon interpreta un bajo de 6 cuerdas que le agrega un sonido muy grave en notas simples en los versos y usando una pentatónica en los coros (esas notas que empalma con la guitarra de Harrison en los coros son icónicas y tienen la particularidad que están hechas para coincidar nota a nota), la voz de Paul McCartney en el episodio vocal más rasposo, inconexo y sobre todo agresivo que quizás haya grabado alguna vez, la letra si bien es un vaivén emocional crudo y sin sentido tiene algunos momentos lúcidos sin dejar de ser una letra que únicamente acompaña los sonidos (McCartney no quería encontrar el hilo negro de la sabiduría con la lírica, simplemente es lo más adecuado para el pandemonium sonoro que ya estaban construyendo) hay un verso que es representativo … Well do you, don't you want me to make you, I'm coming down fast but don't let me break you, Tell me, tell me, tell me your answer, You may be a lover but you ain't no dancer … está por demás comentar toda la cultura pop alrededor de este tema, pero más alla de eso, es una cancion adelantada a su tiempo, un estridente ejercicio de rock que tiene una toma secreta que duró 25 minutos y de la que se utilizó la caótica frase de Ringo Starr del final … I've got blisters on my fingers … siempre en una pieza así más vale considerar todo eso que produce escuchar un despliegue técnico y musical de tal magnitud.

- Una botella de vidrio templado colocada a lado de un amplificador y conectado a un micrófono le dio a Long, Long, Long ese aire de misticismo que solo George Harrison podría darle a este tema, una verdadera joya musical envuelta en un aura onírica en otro tema bien escondido en el catálogo Beatle, Harrison en sus dotes de autor espiritual retrata un episodio metafórico que está a medio camino de un tema amoroso y de una declaración de principios con los recursos líricos del cadaver exquisito … So many tears I was wasting, Gathering, jaystering, glimmering, Glittering, happening, hovering, Humouring, hammering, lacquering, Lecturing, labouring, lumbering, Mirroring … armonizado en Fa Mayor, este tema tiene como acompañamiento una bateria de madera de arce, los relaces que tiene en los versos son notables en cuanto sonido al ser relativamente más brillante que otros producidos por la batería de Ringo Starr, un tema grandioso de transición que es para absolutos conocedores.

- Revolution 1 es un tema que se desprendió de las sesiones de grabación del tema del mismo nombre que vió la luz hasta 1970 en el lado B del sencillo Hey Jude, este tema que aparece en el disco es una versión mucho más parsimoniosa, tiene una cadencia de rock pero con todos los atributos de las guitarras de Heavy Metal de la que es antecesora en estilo, Lennon quería una guitarra altamente distorsionada para el característico riff del tema y aunque insisitió mucho en que debía de ser un sencillo a los otros miembros de la banda no les gustó la idea por lo que esta versión en particular dista mucho en cuanto a calidad de grabación e incluso en alcance, la letra de la misma conserva los versos originales … You say you want a revolution, Well, you know, We all want to change the world, You tell me that it's evolution, Well, you know, We all want to change the world … una cancion que precedió al Verano del Amor de 1969 y que fue tomada como estandarte para los vientos de cambio de toda una generación, es un rock hecho a la vieja usanza con una estructura armónica y melódica llena de los clichés de ese estilo, un tema que también sirve de transición para la última parte del disco, queda siempre en el tintero el hecho de que la versión que apareció dos años antes merecía un lugar en este album.

- Honey Pie, una canción más de transición, a estas alturas ya poco quedaba de The Beatles y las canciones de solista de Paul McCartney (usando al resto del grupo) eran en algunos casos un verdadero ejercicio de auto complascencia y este track es un franco homenaje al Music Hall inglés y a todos sus clichés, el gusto por la música de inicios del siglo 20 de McCartney quedó de manifiesto, una canción con un toque de vodevile (muy al estilo de películas y musicales viejos como el grandioso My Fair Lady) y con algunas connotaciones incluso de series británicas de inicios de los 50’s como la muy famosa The Good Old Days, una grabación de una sola toma y un día extra para grabar la pista de la voz, una pieza armonizada en Mi Menor, con el clásico recurso de emplear el relativo mayor en los coros (una estructura muy amena IV-VI-III), la letra quizás un poco forzada por la música que la aocmpaña es una clara referencia al estilo americano y británico de los 50’s … Honey pie, you are making me crazy, I'm in love but I'm lazy, So won't you please come home, Oh honey pie, my position is tragic, Come and show me the magic, Of your Hollywood song … otro tema de transición.

- La marca de chocolates Mckintosh Good News sirvió de inspiración para un tema muy interesante autoría de George Harrison, es extravagentemente divertido, con demasiadas buenas anécdotas alrededor, una de las principales es el hecho que el connotado músico de jazz Harry Klein se molestó tanto por la forma en que distorsionaron su sonido que hicieron falta otros seis saxofonistas para materializar la visión bizarra de Harrison, un tema que demuestra esa inventiva para la composición … Creme tangerine and montelimar, A ginger sling with a pineapple heart, A coffee dessert, yes you know it's good news, But you'll have to have them all pulled out, After the Savoy truffle … Savoy Truffle es un fino retrato de la adicción de su amigo Eric Clapton a los chocolates, la música es una joya, otra vez empleando el truco de armonización del relativo menor en algunas partes de los versos y una modulación a Mi Menor para los coros, un cambio tan sutil que apenas se percibe, además empleando acordes complementarios, la enorme contribución del prolífico productor Chris Thomas le aportó ese toque de modernidad e incluso de progresivo (con sus teclados Höner y el muy clásico Hammond) a un tema que poco o nada tenía que ver a lo que Harrison había mostrado, una pieza que no contó con los servicios de John Lennon pero que si integró a los otros 3 integrantes del grupo, tal vez mal colocado en todos los buenos tracks de este álbum es una pieza que merece más reconocimiento no solo por su alcance musical, los juegos de palabras de los versos son tan creativos que este tema esta a medio terreno de un tema de pop y uno de progresivo, los solos de Harrison son vertiginosos y creativos, una buena canción envuelta en una parte del disco que ya a estas alturas es muy tediosa para quien románticamente escucha todo el álbum.

- Un tema que podría decirse es la última muestra de unidad como banda de este tropezado final del album, esta selección de canciones es quizás más un ejercicio de culminación fallido que un intento real de un encore, si esta obra monumental iba a tener tropiezos estos iban a llegar en estos momentos donde 28 canciones después ya hay mucho tedio, hay tensión que se proyecta en un tema que es efectivamente un llando inconsolable, Cry Baby Cry es la primera parte de duotema donde a continuación aparece una canción sin créditos atribuida a Paul McCartney llamada Can You Take Me Back, de la primera parte podríamos destacar la musicalización de un cuento infantil por parte de John Lennon … King of Marigold was in the kitchen, Cooking breakfast for the queen, The queen was in the parlour, Playing piano for the children of the king, Cry baby cry, Make your mother sigh, She's old enough to know better, So cry baby cry … tema de conexión de lo ultimo que quedaba de la banda.

- La música concreta de John Cage (de quien Yoko era muy amiga) sirvio de base para la elaboración de uno de los ejercicios subversivos más grandes de la música contemporánea, una pieza icónica como extravagante, idealista como progresista, criticada como poco comprendida, podríamos decir que Revolution 9 es el resultado final de años de estudio de John Lennon y los artistas vanguardistas de la primera mitad del siglo pasado, ese avant garde musical fue una punta de lanza para los movimientos artísticos musicales de inicios del siglo que tuvieron como punto culmonante las creaciones modernistas de John Adams, John Zorn y Philip Glass, antes de eso este tipo de creaciones eran mal llamadas arte abstracto, una etiqueta bastante dificil de encasillar, Revolution 9 es una creación que aportó tantas cosas que en muchas ocasiones las críticas provenian de algunos sectores muy puristas de la música, este tema inicia los samplers (pequeños fragmentos de canciones que eran retomados como loops y motivos en otras piezas), inició las grabaciones con multiefectos (más de 100 sonidos grabados en sesiones cortas) y sobre todo una amalgama de sonidos que iban desde sampleos de canciones de Sibelius y Beethoven hasta gritos y sonidos random, para muchos este tipo de excesos fue algo necesario en un disco que ya estaba lleno de extravagancias, para otros Revolution 9 es una obra que define un disco como The Beatles, para otros era algo más extravagante que efectivo, la opinión de una pieza así solo la ha dado el tiempo.

- Un arreglo extremadamente cursi acompañado de más de 15 instrumentos de viento es lo que tiene como marco el último tema del álbum blanco, Good Night es un tema de John Lennon cantado por Ringo Starr, los arreglos orquestales tan exagerados y onerosos fueron puestos a propósito, como si se tratara de una pieza del barroco más recalcitrante, Good Night es una forma muy decorosa y elegante de cerrar un álbum que ya tenía bastantes piezas tan disímbolas entre si, se trata entonces de una especie de epitafio musical que cierra una obra de arte en toda la extensión de la palabra, son 30 temas para todos los gustos, un álbum que sentó un precedente y que fue el punto de inlfexión después del cual, el mundo musical ya nunca más volvió a ser el mismo.