Disco Rock en Inglés del Año 2024

1.   Only God Was Above Us de Vampire Weekend

Ezra Koening es uno de los mejores músicos de su generación y a veces no se le da el crédito que merece, eso es una injusticia porque con cada disco que pasa de esta banda americana más nos convencemos que su punto más artístico no ha llegado todavía, cada trabajo se supera siempre y este larga duración tiene elementos suficientes para competir por el mejor trabajo de la banda, tiene un toque de maestría melódica, utilizando todos los recursos posibles, desde sus loops y secuencias de piano en la canción inicial, la muy directa Ice Cream Piano (vaya forma de iniciar un disco, una canción que es un auténtico collage de ritmos con una cadencia de menos a más), o utilizando un poco más de folclore con todo y guitarra de doce cuerdas en la grandiosa Classical, hay tremendos riffs de bajo del maestro Chris Baio en temas como Preep-School Gangsters (una canción con aire retro y esas guitarras con una distorsión mínima que son el sello de Koening) o en la muy atmosférica The Surfer (un tema elegante y sobre todo sofisticadamente agradable), el cenit del disco llega con la extraordinaria Capricorn, un tema que tiene todo, una letra evocadora, melodías retro, un ritmo de batería impecablemente realizado por Chris Thompson y un arreglo de cuerdas y piano maravilloso, coros efectivos y notas orquestales (uno de los mejores temas del álbum sin dudas) y por si eso fuera poco, como si hacer canciones lujosas fuera una virtud apenas unos tracks después llega Mary Boone, otro apoteósico tema, encumbrando en ese estilo retro que tiene todo el disco, con un toque moderno con ese loop de batería electrónica muy al estilo del Hip Hop, un híbrido entre una balada y un tema pop por antonomasia, un rock hecho a medida (otro clásico inmediato), apenas 10 temas, algunos memorables, otros con el sello característico de los punteos de guitarra de Koning como en su disco debut (A-Punk dixit) en temas como Pravda y Gen X-Cops, un grandioso disco, un aviso de que Vampire Weekend sigue estando para cosas artísticas muy grandes.

2.     Songs Of A Lost World de The Cure

Un album relativamente reciente de una de las bandas icónicas del rock inglés, Robert Smith y compañía editaron este trabajo después de 16 años de silencio, un disco que tiene un esfuerzo creativo que fue más allá de la larga espera, es quizás un trabajo de redención pero también hay mucha sombra en el sonido, hay penumbra y por supuesto hay soledad, se trata quizás del trabajo más personal que haya compuesto Robert Smith y eso queda demostrado desde el primer track, Alone es una canción majestuosa, desoladora, lúgubre pero contiene luz a cuentagotas, una de esas baladas góticas que habla de la fragilidad de la vida y abordan el desamparo y el aislamiento tras la pérdida, Smith es capaz de un exorcismo hacia sus propios demonios mientras anuncia su redención en una catarsis llena de atmósfera sepulcral, un rito que dura casi 7 minutos y que es el tema que más reproducciones tiene en apenas 2 meses de lanzamiento, esa tesitura no se abandona y los acordes de piano en escala menor vislumbran la aparición del segundo track, And Nothing Is Forever es otro tema con cadencia obscura, con ese ambiente denso que va abriendo paso a notas de guitarra que van dando matices luminosos hasta alcanzar un punto alto, en A Fragile Thing repite la fórmula de piano en acordes y contrapunto y los arreglos de batería minimalista con cuerdas como trasfondo musical, las intros eternas de los temas a veces rayan en lo apoteósico como en Warsong o en la sempiterna Endsong (una obra maestra de más de 10 minutos), muchos consideraron incluso este álbum muy plano en relación a otros discos mucho más accesibles de la banda, otros piensan que después del Desintegration esta es su obra cumbre (lo cual sinceramente no veo por donde, teniendo tantos buenos discos) aún así pese a lo bueno y lo malo es un disco extraordinario, un regreso con una atmósfera muy brumosa, llena de claroscuros, una construcción sonora decadente, un estilo muy propio de Robert Smith y compañía.

3.     Pick-Up Full of Pink Carnations de The Vaccines

Rock inglés desde el Oeste de Londres, una banda que fue un fenómeno con su ópera prima del lejano 2010 (un super disco llamado What Did You Expect From Vaccines que fue un hit), se nota la madurez en la construcción de canciones, atrás quedaron esas canciones breves que parecían poco propositivas, desde el primer track llamado Sometimes, I Swear hay una atmósfera de introspección que se rompe en los acordes del energéetco coro, hay tintes de rock ochentero en Heartbreak Kid donde la voz de Justin Hayward-Young hace juego con la percusión frenética del baterista Yoann Intonti, hay cabida también para esos arreglos para dos guitarras que siempre han sido su sello desde sus inicios en temas comoLunar Eclipse y Love To Walk Away, pero también hay espacio para el rock más puro y orgánico de guitarra, bajo y batería en temas como The Dreamer y en la muy movida Discount De Kooning (Last One Standing), este disco abandona un poco esas esencia de The Vaccines como grupo independiente, un sonido más pulido, más cuidado, por lo que a sus más fieles fans podría significar abandonar sus raíces en el Lo-Fi pero a la vez es un salto a la maadurez como una banda consolidada y que avanza firmemente en el panorama del rock mundial, son una leyenda y lo saben.

4.     Liam Gallagher/John Squire de Liam Gallagher y John Squire

Rock con sonido Manchester, el legado musical de los 90’s de bandas tan emblemáticas  como Stone Roses, Happy Mondays (precursores y padres absolutos del sonido), The Charlatans, entre tantos y del que solo sobreviven James y Blur (con sus mil y un. despedidas) se hace presente en sus formas, transiciones, construcciones, melodías y armonías a lo largo de los apenas diez temas que conforman este álbum, se puede extraer cualquier fragmento de cualquier canción de este disco y sabemos que es el sonido de esa parte de Inglaterra, no hay más, rock de guitarras distorsionadas a la vieja usanza, un intro con un riff memorable, un verso emblemático, un coro en su quinta menor, otro verso llegador, el coro de nuevo y riffs de guitarra por todos lados, este álbum junta dos de los mejores músicos de esa época, la voz que dio la vuelta al mundo de Oasis con Liam Gallagher y la guitarra poderosa de John Squire de los Stone Roses (autor quizás de varios de los más famosos temas de una época que ya no existe), un creador de himnos generacionales), rock orgánico en su quinta esencia, en Rise Your Hands los remates de una batería poderosa siguen el riff de Squire que va tendiendo el terreno para los versos agudos de Gallagher, en Mars To Liverpool, una vez más el rock de guitarras noventeras se hace presente, hay espacio para las baladas semi acústicas en temas como One Day At A Time, o en los guiños a The Beatles en Mother Nature’s Song, el mejor tema sin duda es la tremendamente rockera Just Another Rainnbow, suena exactamente a esa fusión del poder vocal de Oasis y las melodías geniales de The Stone Roses, un solo de guitarra que es de lo mejor del año en essa enorme canción, si se necesita traer de vuelta la década de los 90’s con una mezcla muy fina de rock contemporáneo y con dos tremendos músicos que saben de la vida y los excesos este es el álbum, simplemente extraordinario.

5.     Wall Of Eyes de The Smile

Todos los supergrupos tienen una razón de ser, siempre que se forman obedecen la regla de los ejercicios creativos libres de sus integrantes y de que en sus bandas originales a veces no pueden desarrollar plenamente sus ideas o simplemente no hay espacio al tener sonidos diametralmente opuestos, eso ha pasado históricamente en todas esas bandas a las que se les ha atribuido esa etiqueta, en The Smile no es la excepción, hay demasiado legado de Radiohead al ser Thom Yorke y Johnny Greenwood parte de la vanguardia de su sonido, muy encaminados al krautrock, con progresiones de jazz, es quizás el ejercicio más libre y auténtico de este par de músicos, en Radiohead tienen la limitante de ser un grupo consolidado donde hay premisas que cumplir con un legado que ya va para los 40 años, acá en The Smile hay otras reglas, el free jazz que se asoma en las guitarras de Greenwood desde el primer tema llamado de forma homónima al disco, Wall Of Eyes es un corte donde abunda la idea progresiva y progresista, formado con una estructura de acordes que semejan a una trama de misterio sobre la base de percusión del baterista Tom Skinner, en Teleharmonic hay un sonido mucho menos definido, la explicación es que en The Smile, Thom Yorke toca el bajo, lo cual le da una cadencia rítmica distinta a sus otros proyectos, se nota que existe un ejercicio vocal sujeto a la melodía del instrumento, pero también hay mucha libertad en los largos interludios de la canción, en Read The Room hay una construcción muy compleja de la melodía de guitarra utilizando una afinación diferente, un contrapunto de dos guitarras que es maravilloso, creativo y elegante, repiten la receta al más puro estilo de Steve Reich en un tema que es igual de retador que el anterior, en Under Our Pillows tampoco hay espacio para las especulaciones, hay una estructura tremendamente tensa y rígida desde donde Yorke recita versos inquietantes, hay espacios de quietud en la hermosa balada de piano y batería de Friend Of A Friend y de experimentación con ecos en las voces en Bending Hectic, un disco verdaderamente artístico, pero que requiere algo de bagage, puede resultar un desafío para los que lo escuchen, es una especie de Radiohead para mentes musicalmente más maduras.

6.     All Born Screaming de St Vincent

Annie Clark es una artista de un talento ya comprobado, este 2024 sorprendió a todos con un trabajo impecable, grabado tanto en inglés como en español, un álbum perfecto en casi todos los sentidos, St Vincent es sinónimo siempre de calidad desbordada, ella misma produjo este trabajo sonoro que abre como debe de ser, unn tema tremendamente poderoso llamado Hell Is Near, quizás como una premonición de lo que va a llevar a continuación, esa maestría en elaborar temas que tienen una atmósfera de misterio, en Rockless deja ir todo su potencial lírico y coral (no olvidar que fue parte fundamental de la banda The Polyphonic Spree) en un tema que desde el inicio plantea su clásico rock propositivo y que desencadena a un tema lleno de poder con sus ya conocidas canciones llenas de multiefectos y loops atmosféricos, tal despliegue sonoro queda mejor expuesto en el tema Broken Man y en la muy dark ambient Big Time Nothing (incluso llegando a momentos de Trip Hop), sin duda una obra de arte en sus apenas diez temas, hay temas muy introspectivos y con una enorme carga de emotividad como Flea y en The Power’s Out, un disco que no solo demuestra que este proyecto de Clark es un importante referente de la escena rock actual, sino que va encontrando un camino mucho más allá de sus influencias pasadas y va desarrollando poco a poco un estilo que ya la hace única.

7.     No Name de Jack White

El rock moderno le debe todo al blues, desde 1880 que comenzaron a grabarse temas de blues y desde 1940 que se grabaron los primeros discos de lo que más tarde se conocería como Rock And Roll, hay artistas que traen esa onda de lo retro muy impregnada en su forma de hacer música, uno de esos personajes es sin duda el gran músico John Anthony White, multi instrumentista y parte de bandas icónicas del rock como The White Stripes, o de super bandas como The Dead Wheater o The Raconteurs y autor de 5 joyas del rock en su prolífica carrera solista, esta vez su sexto disco como solista es otra de esas joyas del rock puro, una guitarra que no se cansa de hacer buenos riffs y desde el primer tema eso queda de manifiesto, un intro muy de blues del más denso pantano sureño da inicio a otro grandioso ejercicio musical, en Old Scratch Blues hay una onda de blues rock visceral, de ese contundente y esa misma forma permanece en Bless Yourself, un tema contundente, un golpe de distorsión en la guitarra y una percusión poderosa, a White le gustan también esos temas que van in crescendo y uno de esos tracks tocados por la mano del dios del Rock es That’s How I’m Feeling, el tema más comercial del disco, esos que cuando salen como sencillos se comentan por todos lados, pero la verdadera joya de este álbum está escondida detrás de ese despliegue energético de los primeros temas, antes de eso, en Archbishop Harold Holmes hay un intro estilo Led Zeppelin y una historia de un clérigo rodeado de un halo de misticismo con un solo extraordinario de guitarra,  hay rock and roll del viejito en temas como Number One With A Bullet y en Missionary, la joya escondida está en el cuarto track, si alguien me pidiera una síntesis de la carrera de White en un solo tema le diría que It’s Rough On Rats (If You’re Asking), aquí hay de todo, punteos de guitarra, armonía en pianos western, distorsión por todos lados, experimentación en los interludios y una voz que comulga de forma impresionante con la idea musical, es uno de los mejores temas de su discografía, por todos los temas, este disco es impecable, otra joya más a la cuenta de Mr Jack White

8.     I Got Heaven de Mannequin Pussy

Una banda que pasó de editar sus primeros discos en el oscurantismo de lo independiente para pasar a una enorme transnacional en sus dos últimos trabajos, esos son los originarios de Pennsilvania de Mannequin Pussy, no es punk, de hecho le falta mucho para pertenecer a ese tipo de géneros, lo que tenían ganado como grupo independiente les está rindiendo frutos ahora que su música se distribuye mejor, pero ¿habrán perdido potencia o furia? La respuesta la encontramos a lo largo de las diez breves pero muy directas canciones, desde los ruidosos primeros acordes de la canción inicial llamada I Got Heaven, donde la voz de Marisa Dabise luce clara y contundente, un tema donde las guitarras adquieren un sentido único de libertad a través de riffs poderosos, a través de los temas desarrollan historias de amor juvenil, de la desesperación de crecer y madurar y el instinto de sobrevivencia de una generación a la cual la madurez le está cayendo como una enorme carga en los hombros, en Loud Bark una balada punk donde luce la sección rítmica de la baterista Kaleen Reading, una pieza más tranquila pero no menos intensa, en Nothing Like pareciera que se tratara de otra banda, la sección rítmica construida a partir de un loop electrónico tiene una adecuada convivencia con los acordes de guitarra, haya canciones extremadamente buenas como el single Sometimes (de los mejores del año) y la grandiosa Softly, quizás esta banda perdió potencia, pero ha ganado bastante en difusión, quizás sus fans más arraigados sientan que la banda dejó atrás toda esa ira y poder que la caracterizaba, pero el resultado se agradece, muy buen cuarto disco de esta banda.

9.     Eggsistentialism de The Lovely Eggs

Once temas tan distintos entre si componen esta auténtica declaración de principios de este dueto británico de post punk, van desde lo tradicional con las clásicas canciones aceleradas de punk llenas de distorsión como en Death Grip Kids, o la mucho más melódica Meeting Friends At Night, o a temas con un desarrollo lento pero muy agradable como sucede en esa tremenda pieza de rock moderno llamada Nothing/Everything (más de 7 minutos de puro rock), este dueto formado por el matrimonio de la guitarrista y multiinstrumentista Holly Ross (ex cantante de una mítica banda de rock indie llamada Angelica) y David Blackwell, un baterista que ya tiene sus años en esto del rock, un proyecto que demuestra una enorme cohesión entre las ideas que plantea y la música que compone, hay temas que incluso rayan en lo confuso en cuanto a las letras que son poco menos que divertidas, como en People TV, en otras utilizan un enorme arsenal de instrumentos como el Theremin (en canciones como Memory Man), hay espacio incluso para temas mucho más elaborados como en la grandiosa Echo You (un tema impresionante en su desarrollo y sobre todo en esos interludios tan complejos) un disco muy bueno para entender esta forma moderna de hacer música en tiempos donde se tiene todo, excepto paciencia para las nuevas propuestas.

10.  Redd Kross de Redd Kroos

Una banda típica de rock de California que tuvo como raíces el año de 1978, un proyecto de los hermanos Jeff y Steve McDonald que han estado presentes en la escena del rock americano del suroeste desde esas épocas, a veces como músicos de sesión y otras tantas con sus proyectos personales, esto es rock en su quintaesencia, de ese de batería, guitarras y bajo, hay temas que exhalan ese género en sus coros y versos como la maravillosa Stunt Queen (con un solo de guitarra incendiario), este laboratorio sonoro ha ido y venido desde esa época de finales de los 70’s, tuvieron el enorme mérito de abrirles varios conciertos a la mítica banda Black Flag a finales de los 80’s y ya con 8 discos en su haber no han sido reconocidos como deberían, sus canciones son la mayoría construidas sobre una base de rock californiano (ese cuya fórmula siempre efectiva es guitarras acústicas en el intro, guitarras distorsionadas de fondo, versos efectivos, coros pegajosos y muchos más coros de back ground y el infalible solo de guitarra), esta forma de hacer temas está presente en las clásicas baladas rock en the Main Atracttion, o en Good Times Propaganda Band, un disco que de nuevo nos hizo voltear a escuchar bandas legendarias que deberían de tener mejorsuerte o ser más populares, un disco muy bueno en todos los sentidos.