Cabaret Mañana de Juan García Esquivel

Cuéntame Un Disco XVII ...

Un ídolo más allá de nuestras fronteras, padre del Lounge Music, un género que fue explorado a través de la prodigiosa mente de un hombre dedicado en cuerpo y alma a la música, construyó una historia que transcurrió por tantos pasajes sonoros que es imposible entender la música actual sin su enorme legado, series de televisión, películas, jingles de comerciales, un pequeño y tal vez insignificante homenaje a un hombre cuya obra puede equipararse a la de los más grandes genios musicales del siglo XX, un orgullo de México, legado de nuestro país al mundo, un prodigio y un baluarte musical para la posteridad, el más grande músico mexicano del siglo pasado, en un pequeño espacio dedicado a su obra.

En el siglo VIII, la sal que llegaba a la Europa Central se transportaba por el río Salzach a lo largo del territorio Suizo, en esa época los mercaderes debían de conducir el preciado producto junto con plata y especies por los intrincados ríos del centro del continente a través de ese afluente del Danubio, ahí floreció una ciudad por el enorme comercio que se desarrollaba, a esa ciudad se le llamó Salzburgo, tiene al río en una orilla y a los Alpes en la otra en un paisaje de ensueño, el ambiente templado de su clima contrasta con fríos inviernos y veranos cálidos, su tradición eclesiástica siempre ha sido notable y en el centro de la ciudad se encuentra la Abadía de Nonnberg, primer monasterio femenino del mundo y la imponente Catedral de Salzburgo, joya del arte barroco del siglo XIV cuyo campanario habría de anunciar una mañana de Enero de 1756 el nacimiento de una de las figuras más importantes de la historia de la música, esa fría mañana invernal, las campanas de la catedral repicaron con su acostumbrado ritmo de epíclesis al inicio de la liturgia y en una calle de la ciudad nacía el séptimo hijo de un profesor de música del arzobispado, tal vez como una premonición se repetía el repique del campanario por varias veces más durante la mañana, ese día nació un prodigio de la humanidad, ese día Leopold Mozart vería al único hijo que le sobreviviría a los primeros años y que le haría compañía a su hermana Nannerl, ese día vería la luz por primera vez Wolfang Amadeus Mozart, la más eminente figura de la música clásica y una de las mentes más brillantes que han pisado esta tierra, aprendió a leer música a los 2 años y a los 4 ya interpretaba canciones sacras en el clavecín, instrumento que domino a la perfección a los 6 años, desde los 5 ya componía piezas que pueden considerarse primeros esbozos de su altísima noción del arte musical, padre e hijo fueron una mancuerna de educación musical y religiosa, Leopold consideraba que su hijo era un milagro y pretendió siempre presentarlo ante la corte Austriaca de donde se convirtió en el músico preferido desde sus 12 años, uno a uno fueron cayendo rendidos ante su arte los más importantes reyes y emperadores de Europa, Maximiliano III Rey de Alemania lo proclamó músico de la corte, en 1763 conoce a Johann Sebastian Bach y le rindió pleitesía y honores, José II de Habsburgo le rindió homenajes reales durante su estancia en Praga, Luis XV lo recibió con toda la parafernalia que el Palacio de Versalles podía ofrecerle, Georgio Alleri lo presentó a escondidas en la Capilla Sixtina en una presentación clandestina donde Mozart (poseedor de oído absoluto) interpretó ante el Papa Clemente VI las obras completas del cannon de Alleri ante el asombro de la orden del Vaticano, fue nombrado Caballero de la Orden la de Espuela de Oro, con solo 14 años Mozart era la figura más importante de la música en el mundo entero, fue el hijo predilecto de Salzburgo, un personaje admirado por sus dotes artísticas pero más reverenciado por su calidez humana, fue idolatrado y el final de sus días contrasta con tanta fama que adquirió a base de explotar su talento y de imaginar mundos distintos a los que la música estaba acostumbrada, el niño rebelde de la música clásica que re definió la forma de componer para siempre, en el último año de su corta vida, Mozart escribió la Flauta Mágica, tenia 36 años y una extraña enfermedad terminó con el genio una tarde lluviosa de diciembre de 1791, pálido y débil había caído postrado desde un mes antes, económicamente devastado, había escrito alrededor de 700 obras, muchas de las cuales apenas están empezando a comprenderse, un músico adelantado a su tiempo que vivió de cerca la fama en una época donde ser músico era sinónimo de talento casi divino, a las 2 y media de la tarde del 5 de diciembre de 1791, la Catedral de Viena repicaría con su tono de réquiem en un pequeño funeral, tal vez insuficiente para recordar su grandeza, a su cuerpo se le atavió con la vestimenta masónica, túnica negra y capucha, fue enterrado en una fosa comunitaria, ese día moría el hombre y nacía la leyenda musical más grande, ese día las campanas habían de doblar por última vez con el cuerpo envuelto en su mortaja negra al aire libre ante una multitud que expectante, ante los sonidos de 22 campanas que al unísono repicaban en un tono de tristeza y nostalgia, la muerte del más grande ídolo musical antes del Siglo XX, curiosa es la vida que entrega el reconocimiento hasta después de la muerte, extrañas formas de ser justa y muy diversas maneras de convencernos del verdadero valor artístico de algunos genios que permanecen escondidos, no solo las campanas de Viena repicaron una tarde por un genio musical de hace 300 años, aquí en México el mismo timbre de la epíclesis habría de resonar por todo el cielo de la pequeña ciudad de Taxco por un hombre cuya vida permanece aún en el ostracismo colectivo porque no se le menciona en los libros ni en las biografías, tampoco es tema de conversación cotidiana, mientras el colectivo se asombra ante las efigies musicales vigentes, muchas de ellas plásticas sin ninguna virtud, se olvida que en nuestro país existió un personaje que fue idolatrado más allá de nuestras fronteras, fue ejemplificado como un personaje tan importante para la música cuyo legado es la creación de todo un género y que había de pasar a la posteridad por su notable sentido del ritmo y de los matices que la música puede ofrecer, fue el padre de la música Lounge (música de elevador como lo llaman las mentes simples), fue el creador en los años 50's de los primeros esbozos de la música electrónica, hizo de su orquesta el espectáculo más visto por 15 años en la ciudad de Las Vegas, ni siquiera Elvis Presley llevó tanta gente a sus presentaciones, dicen quienes lo vieron en los escenarios que controlaba cada detalle de sus músicos, que conocía a la perfección todos y cada uno de los 45 instrumentos que componían su suite, dicen los que tuvieron el privilegio de convivir con el que era un hombre que sabía de todo un poco y era un alma inquieta y tenía un espíritu inquebrantable, una historia que comenzó allá por 1918 en Tampico, un 20 de enero nació en el seno de una familia de la ciudad portuaria de Tamaulipas, le dieron por nombre Juan García Esquivel, a los 10 años su familia emigró de Tampico a la ciudad de México, en su casa había un piano, no hay indicios de que haya tomado clase alguna pero conocía la música a la perfección, a esa edad ya interpretaba canciones del nacionalismo Mexicano tan de moda en aquella época, fue siempre una persona con la paciencia de quien sabe que la gloria y el recuerdo serían su destino, fue un niño prodigio en el instrumento, a los 14 años ya era el pianista de la Estación XEW, a los 18 ya dirigía en ese mismo lugar una orquesta de 22 músicos donde ambientaba los programas de variedad de la época, conoció de cerca a Ernesto Riestra, Luis Alcaraz y a Pedro Beltrán Ruiz, directores de orquesta consagrados quienes lo admiraron desde el primer momento que lo vieron dirigiendo en el estudio azul de la XEW, era 1940, el mundo estaba en Guerra, Juan García Esquivel terminó sus estudios de Ingeniería Eléctrica en el Instituto Politécnico Nacional, siempre esperó su momento, a esa edad combinaba lo aprendido en las aulas y en los laboratorios con sus dotes artísticas, fue músico de la radio por más de 12 años hasta que motivado por sus intereses personales  y en una visión del futuro a sus 33 años consideró que no había hecho nada destacable en el mundo, ese año conoció a Enrique Ponce y lo convenció de grabar jingles para comerciales de televisión (el clásico anuncio de Palmolive de 1952) su fama creció como la espuma, en 1958 RCA lo contrata para grabar su primer disco, tenía 40 años, una edad en que no se espera sea el debut artístico de nadie, le quedaba una marcha contrarreloj de 44 años para demostrarle al mundo lo que podía hacer con su genio e imaginación, a esa primera grabación a la que RCA se horrorizó al escucharla y le dieron el apelativo de Sonorama, grabó Granada, un clásico de la música latinoamericana y luego Night and Day un clásico de la música americana de principios de siglo, sus adaptaciones lo encasillaron como un músico diferente, fue llamado genio desde ese momento porque en el mundo nadie hacía nada igual, comenzó a adaptar instrumentos tan diferentes en sus versiones, a desmenuzar las canciones populares y les adaptó su propio sello, su manera de acercarse a  la música se parece más a una pintura que a una canción, le dio a la música una paleta de colores como nunca antes había sido vista o entendida, en 1960 grabó su obra maestra, See It In Sound, RCA no lo vendió porque los equipos de sonido aún siendo los más sofisticados de la época no podían extraer la esencia sonora por la enorme cantidad de instrumentos grabados, le surgieron ideas extravagantes, tuvo un día la idea de grabar con dos orquestas al mismo tiempo en dos estudios diferentes, la distancia ni las posibilidades fueron su frontera, no conoció límites a su creatividad, fue el músico más importante por 14 años en las Vegas, su show en el hotel Stardust competía en asistentes con los shows de Elvis, The Sights and Sounds Of Esquivel era un espectáculo precursor de los shows multimedia, era 1960 y la psicodelia todavía no nacía, tardaría al menos 8 años para que los músicos británicos y americanos comenzaran a experimentar con ese género y Esquivel ya daba espectáculos de ese estilo, únicos en el mundo, fue admirado por los más grandes, Henry Mancini (escritor y director de orquesta) alguna vez le dijo que era su admirador, Frank Sinatra le enviaba flores después de cada show, fue admirado por todos, reverenciado por todos y en su país solo se le recordaba por escribir jingles y musicalizar la serie Odisea Burbujas, sin embargo en Estados Unidos la lista es interminable (Kojak, Los Angeles de Charlie, Los Picapiedra, Quincy, las series de Alfred Hítchcock, Ironside,  Elery Queen, Emergencia, el intro del El Hombre Nuclear y de La Mujer Biónica, la serie Columbo, McCloud, McMillan y Esposa, El Hombre Increíble, Baretta, los Hardy Boys lnvestigadores, Magnum, Miami Vice, La Última Frontera, Fuera de este Mundo, Viajeros en el Tiempo, Harry y los Hendersons y Guardianes de la Bahía, sin mencionar todos los jingles para comerciales americanos), el lounge, ese género nacido del jazz y que adapta todos los estilos posibles en música suave y digerible, todas las obras lounge tienen la facilidad de ser escuchadas sin conocimientos musicales previos, esa es la gran virtud de Esquivel, transformar un entorno musical complejo a un producto fácil y adaptado a las necesidades de un público que no necesita instrucción musical previa, fue un genio, un hombre cuya vida se resume en su sentimiento hacia la música, a la cual respetaba y entendía pese a jamás tener instrucción formal, a que nunca tuvo clases y aun así distinguía entre toda la gama de sonidos existentes,  Esquivel fue llamado el Duke Ellington Mexicano, fue comparado con toda la crema y nata de la música de su tiempo, aprendió de todos y de todos tuvo pleitesía, de todos obtuvo un reconocimiento que en su país jamás llegó por las forma en que nosotros entendemos la música, como un producto y no como un arte, Esquivel nos sitúa en un mundo dominado por los colores, en un ambiente lleno de vida, en llenar los espacios que deja el silencio con notas que le darán una visión particular a las cosas, no hubo grises en su música, hubo tonos pastel y sepia, hubo siempre colorido y virtuosismo, en 46 años demostró al mundo de lo que una mente en plena explosión de creatividad podía hacer, espero hasta sus 40 para grabar su primer disco, la paciencia fue una virtud que desarrolló pese a su mente inquieta y genial que no dejaba de dar muestras de su capacidad, Esquivel, el más grande genio musical del siglo pasado en nuestro país no es conocido, no es nombrado en las pláticas, casi nadie lo tiene en la memoria, permanece oculto y permanente para unos pocos que tienen la oportunidad de saber de su obra, contrario a otros jamás buscó la fama, la fama le llegó por su espíritu libre y prodigioso, algunas cosas permanecerán siempre en nuestros recuerdos, por lo que significan, por esa esencia que resulta de nombrarlas y recordarlas, los recuerdos constituyen instantes emocionales diversos, de lo sublime a lo nostálgico, de lo más elevado a nuestros instantes más bajos, cada uno de los recuerdos se pinta en la memoria con un color, con un sonido que lo distingue, a Esquivel lo recuerdan las campanas de Taxco, esa mañana de enero del 2002 en que abandonó este mundo con una partitura en la mano, con su colección de discos y sus recuerdos, dicen quienes lo vieron que lo último que hizo antes de morir fue cerrar los ojos e imaginar un piano e interpretar una última canción en su memoria, en su particular mundo lleno de música y colores, probablemente esté ahora en la gloria dirigiendo una orquesta inmortal, así como su legado, así como su recuerdo. 'Yo mismo no podría definirla (a la música), la música es mi vida, yo amo a la música como me amo a mi mismo'

- Juan García Esquivel, la última entrevista para el diario Milenio -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1995

Discográfica - RCA

Productor - Mariano Rivera Conde, Neely Plumb

- Recomendable Si Les Gusta - Movin' On de Dick Shory,  An Evening at Goldie's New York de Goldie Hawkings, Summer Place de Tony Hakim, Swift de Marco Benevento, My Little Red Book de Burt Bacharach, More Music From The Man of UNCLE de Hugo Montenegro, So What's New de Horst Jankowski, Spanish Eyes de Bert Kaempfert and his Orchestra, Take Ten de Paul Desmond,  Under a Spanich Moon de Herp Albert y Patricia de Perez Prado y su Orquesta

Título del Disco

Cabaret Mañana es un recopilado por la iniciativa de Mariano Rivera Conde, el título hace alusión a las raíces latinas de la mayoría de los temas y a una grabación inédita de Esquivel de 1965 llamada Cabaret

Portada del Disco

Icónica imagen de Juan García Esquivel mientras dirigía su Orquesta con una paleta de colores amarillos y naranjas que hacen muy vistosa la portada, es obra del fotógrafo y artista gráfico Paul Raphaelson.

Tracklist

1.    Mini Skirt (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Johnson Rag (Recomendación 4 Estrellas) 3.    Night And Day (Recomendación 4 Estrellas) 4.    El Cable (Recomendación 4 Estrellas) 5.    Harlem Nocturne (Recomendación 4 Estrellas) 6.    Mucha Muchacha (Recomendación 4 Estrellas) 7.    Time On My Hands (Recomendación 4 Estrellas) 8.    Malagueña (Recomendación 4 Estrellas) 9.    Guanacoa (Recomendación 4 Estrellas) 10.  Sentimental Journey (Recomendación 4 Estrellas) 11.  Estrellita (Recomendación 4 Estrellas) 12.  Limehouse Blues (Recomendación 4 Estrellas) 13.  Todavía (Recomendación 4 Estrellas) 14.  April In Portugal (Recomendación 4 Estrellas) 15.  Take The A Train (Recomendación 4 Estrellas) 16.  Question Mark (¿Que Vas a Hacer?) (Recomendación 4 Estrellas) 17.  It Had To Be You (Recomendación 4 Estrellas) 18.  Yeyo (Recomendación 4 Estrellas) 19.  Lullaby Of Birdland (Recomendación 4 Estrellas) 20.  Flower Girl Of Bordeaux (Recomendación 4 Estrellas) Track By Track Momentos Cumbres - Este disco recopilatorio inicia con su más grande tema y el más clásico, las notas que inician Miniskirt son tan reconocibles como lo son sus lentes de pasta, ese intro con el contrabajo que hace síncopas con la entrada del piano de media cola de Juan García Esquivel nos transportan a un mundo situado a mediados de los años 50's, un ambiente distinto donde sus canciones servían para ambientar películas y series de televisión, Miniskirt con su ya conocido riff de piano de 11 notas transcurre a lo largo de los coros y de la instrumentación orquestal, todo un deleite auditivo grabado en estéreo, la forma en que se incorporan los coros onomatopéyicos sirven de preámbulo para los interludios llenos de sonoridad y de virtuosismo, Miniskirt es la canción insignia de la música lounge, es un legado musical que trasciende los años y las épocas, es una canción que se sitúa dentro del legado histórico y musical de la humanidad. - Johnson Rag es un clásico de Jack Lawrence que fue adaptado de forma ingeniosa por Juan García Esquivel, sus coros caracterizados por el zu zu zu fueron tan famosos como toda la adaptación misma, la versión original es de 1917 y fue escrita por Lawrence cuando tenía menos de 30 años, permaneció olvidada hasta que Glenn Miller la rescató y grabó alrededor de 1940 con su orquesta, en la versión de Esquivel destaca toda la orquesta con sus elementos de viento, fue grabada por Pearl Bailey, Frankie Carlie, Les Elgart entre otros grandes directores de orquesta, e suma canción muy americana con un sello latino gracias a los arreglos de Esquively la incorporación de guitarras hawaianas le da ese toque universal. - Escrita en 1932 por Cole Porter, Night and Day es parte del enorme catálogo de música popular norteamericana, una canción que fue incluida en la banda sonora de The Gay Divorcee donde actuó Fred Astaire, las llamadas al trabajo de los jornaleros marroquíes inspiraron la letra de Porter, Esquivel añadió sus famosos coros a una letra que es inspirada por el arduo trabajo de la mano de obra humana, ha sido covereada por Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, el inicio con las percusiones y los sonidos de ambientación es impresionante, la forma en que se acopla la guitarra de piso con los famosos coros, los violines y las tubas que dan la introducción nos transportan a un ambiente obscuro y denso, sin embargo el piano rescata junto con esos remates orquestales un ambiente bastante gris y le da sonoridad y brillo, los coros son formidables así como los acompañamientos del piano con la guitarra, los interludios son llenos de virtuosismo por una orquesta que Esquivel controlaba con solo ver a sus integrantes, extraordinario tema. - El Cable, original del grandioso músico Mario Caniello, un inmigrante italiano que se estableció en Venezuela y que compuso este tema mezcla de guaracha y cumbia al que Esquivel adaptó con sus conocidas combinaciones de ritmos latinos, los coros únicamente monosílabos dan letra a una musicalización extraordinaria, el espíritu festivo de la pieza original no pierde detalle, la guitarra es interpretada con una soltura inigualable, se tocan notas de forma limpia y con todo el detalle, es una pieza que Mario Carniello había interpretado en el órgano y que se convierte en un referente de la música latina de mediados de los 70's. - Original de Earle Hagen y Dick Rogers y escrita en 1939, un jazz disfrutable de principio a fin es Harlem Nocturne, una estructura un tanto compleja, un entramado de coros que van construyendo una epopeya de notas emanadas de las prodigiosas voces de las coristas de Esquivel, de quienes se especulaba no debían incluso de subir de peso, Harlem Nocturne es un clásico del catálogo de Jazz americano que Esquivel supo adaptar con maestría y genialidad, sus pasajes sonoros que fueron hechos para que RCA promoviera el sonido Sonorama hacía de escuchar piezas como esta toda una revolución musical. - Original de Esquivel, Mucha Muchacha es una pieza festiva, llena de matices sonoros, con un altísimo contenido instrumental, es una pieza que nos sitúa en México de los años 50's, con toda esa carga de orgullo nacionalista impulsada por la postguerra, en un ambiente meramente de progreso al que no hemos vuelto jamás, Mucha Muchacha incorpora la voz de Esquivel en un diálogo con una de sus coristas y toda la carga orquestal a la que nos tiene acostumbrados, cuando un artista tiene piezas originales se aprecia toda su grandeza, este es un ejemplo claro de la genialidad de Esquivel para la construcción de melodías complejas y un dominio orquestal sin parangón en la historia musical de México, nadie ni siquiera Luis Alcaraz alcanzó el nivel de dirección orquestal como Esquivel. - Original de Harold Adamson y Vincent Youmans, escrita en el año de 1930 para el musical Smiles, Time On My Hand es una pieza que muestra una vez más el dominio de los tiempos de la música por parte de Esquivel, el empleo de un metrónomo que marca 60 beats por minuto semejando el segundero del reloj en impresionante, a partir de esa base rítmica se incorporan todos los instrumentos, haciendo alusión al tiempo, de forma lenta y delicada se van incorporando, una enorme obra que adquiere matices francamente epopeyicos en las prodigiosas manos de Esquivel. - El compositor cubano Ernesto Lecuona escribió una pieza en 1928 llamada Suite Andalucía, en esa obra estaba contenida en el sexto movimiento la pieza Malagueña, una obra que Esquivel rescató y grabó en una versión impresionante, el inicio con ese clavecín y los acordes de una guitarra española aderezada con un filtro, las maracas, las percusiones y los coros van construyendo una entrada que es más bien de zarzuela que de una pieza musical ordinaria, un estilo único al inicio de los interludios, la forma en que cada instrumento aporta la armonía, la forma en que el piano de Esquivel traza acordes y progresiones es francamente alucinante, eran los años 50's aun no había progresivo y esta pieza en unas partes evocan los 70's y sus grandes pianistas de progresivo, también destaca la forma de grabar tantos instrumentos en solo 2 canales, la era de la grabación analógica, de pegar las cintas de grabación con tela adhesiva, la forma de construir una pieza de semejantes dimensiones, Esquivel es grandioso. - Otra original de Esquivel es Guanacoa, un pueblo cubano de la costa sirvió de inspiración para esta pieza, los instrumentos de índole tropical nuevamente se adueñan de la escena, se va armonizando un entramado de percusiones con un coro pegajoso de monosílabos, después el coro memorable y un solo de piano que Henry Mancini celebraba, Frank Sinatra envió flores alguna vez tras escuchar esta pieza, los pianos de Esquivel, uno de media cola Yamaha y un mini moog rudimentario en 1959 sirvieron de base para la armonía de la canción, a Guanacoa me voy aunque no haya carretera recitan las coristas en sus versos, de fondo esas percusiones muestran una parte sencilla pero necesaria en la canción. - En 1944 Les Brown y Ben Horner escribieron una canción llamada Sentimental Journey, apareció en el disco Infinity of Sound no 2 de Esquivel, esta versión caracterizada por el silbido de la armonía y por los clásicos zu zu zu, la Orquesta de Esquivel la interpretaba con mucha frecuencia y es una versión con un altísimo grado de dificultad en la interpretación por la forma en que los instrumentos se agregan poco a poco a la canción. - La más famosa canción del gran músico mexicano Manuel M Ponce, Estrellita fue un cover que Juan García Esquivel realizó en sus primeras etapas, esta versión esta llena de sentimentalismo y de un profundo sentido patriótico, Esquivel era gran admirador de las obras del Nacionalismo Musical impulsado por Manuel M Ponce y que alcanzaron un nivel máximo en las primeras tres décadas del siglo pasado, en esta versión el piano tiene un papel fundamental y preponderante en una historia que se va narrando conforme los violines y la orquesta traza poco a poco un respaldo sonoro para que el piano alcance su mejor nivel poco a poco, es una obra que destaca entre otras cosas por su enorme contenido musical, una versión digna de un músico de la talla de Manuel M Ponce. - Douglas Furber escribió en 1922 una canción de jazz muy popular en la cultura americana, Limehouse Blues es una de esas piezas me inicios del siglo muy empleada en la banda sonora de películas, inspirada en el barrio chino de Londres, apareció en la película Star donde actuó Fred Astaire, esta versión de Esquivelmucho más festiva emplea una instrumentación oriental con todo y gongs, las percusiones muy adecuadas para darle ese aire minimalista y alegre. - Una composición de Armando Manzanero da vida a la siguiente pieza de la recopilación, Todavía es un canción que Manzanero escribió y que consiste en un bolero adaptado magistralmente al lounge por Juan García Esquivel, los clásicos coros monosílabos y las percusiones establecen la melodía a la que se le da un aire de dramatismo con el resto de la orquesta. - La canción de Raul Farrao sirve de inspiración para el siguiente cover, April In Portugal, cuyo primer título fue Coimbra fue reinterpretado por Esquivel y su orquesta, el piano juega un papel preponderante en la pieza y sirvió de eje para que a partir de esa melodía muy melancólica se agregaran los elementos orquestales, fue una de las composiciones de Esquivel que estrenaron el concepto de Sonorama, muy publicitado por RCA. - Take The 'A' Train es una pieza popular compuesta por Billy Straihorn y que fue interpretada por primera vez por Duke Ellington, esta inspirada en la línea A del subterráneo de Nueva York, esa línea mítica que une Harlem y Manhattan, en la versión de Esquivel el sonido de las antiguas máquinas ferroviarias es imitado por suspiros de las coristas de la orquesta de Esquivel. - Question Mark (¿Que Vas a Hacer?) es una pieza corta autoría de Juan García Esquivel de apenas dos minutos que está enmarcada por los coros y el acompañamiento del piano de Esquivel, es una canción festiva construida en acordes mayores y con un tiempo bastante agradable al escucha, como todas las piezas de Esquivel constituye un enorme aporte a la música de los 50's, semeja mucho a sus jingles para comerciales de televisión y de series como The Flintstones, Odisea Burbujas, entre otras. - It Had To Be You, original de Isham Jones, escrita en 1922 sobresale por su trompeta con sordina que le da ese aire muy de jazz antiguo, es una pieza muy popular dentro de la cultura americana y ha sido interpretada por varios cantantes de la talla de Ella Fitzgerald. - Yeyo es una canción muy al estilo de Esquivel, las frases monosilábicas de la letra hacen un perfecto conjunto con la melodía que los instrumentos de viento elaboran sobre los versos, es como cantar con el instrumento aun sin letra, impecablemente construida sobre un ritmo afroantillano y con percusiones tan básicas como el palmeo, otra pieza Esquivelesca por antonomasia. - Lullaby of Birdland, hace alusión al club de jazz Birdland y a uno de sus mejores músicos, Charlie 'Bird' Parker eminente pianista de jazz es homenajeado en esta pieza, original de George Shearing y compuesta en 1952, de una época dorada del jazz americano, fue convereada a mediados de los 60's por la orquesta de Esquivel, otro clásico. - Flower Girl From Bordeaux, una pieza original de Al Sherman es reinterpretada por la orquesta de Esquivel, destaca la instrumentación muy adecuada para una pieza que habla sobre la campiña francesa.